展览策划：张琪 戴红
展览作品：绘画42幅、不锈钢丝雕塑8件
开幕时间：2019年12月21日下午3:30
展览时间：2019年12月21日—2020年3月20日
展览地点：万科御澜道M-ART艺术馆
协办单位：重庆万科
在锦瑟诗意的重逢
文/谢礼恒
“美丽总令人忧愁，然而还受用。”这出自沈从文曾说过的一句话，我一直没有找到准确的出处。然而“受用”的本身，一定是这“美感”的脆弱、敏感与转瞬易逝。它的不易获得，似遥夜危桥的倒影，是洋槐背后“偷偷展开了心的网幕”，也是“银筝般的歌声穿过温柔的流光”……易逝的，都透明都深情都不舍。
一场展览，即将于12月21日在锦瑟画廊（重庆·万科御澜道M-ART艺术馆）举行：“在锦瑟诗意的重逢—何多苓师友展”。著名艺术家何多苓、师进滇这两位相熟相惜三十来年的好友联袂献展，更携蒋国蓉、朱可染、周迅三位青年艺术家的绘画作品一同为重庆藏家、艺术迷带来一场别致的诗意体验。
“在锦瑟诗意的重逢”，
锦瑟——锦瑟无端，出自唐·诗人李商隐《锦瑟》：
锦瑟无端五十弦，一弦一柱思华年。
庄生晓梦迷蝴蝶，望帝春心托杜鹃。
沧海月明珠有泪，蓝田日暖玉生烟。
此情可待成追忆，只是当时已惘然。
李商隐作为一位善于探寻幽微内心的诗人，以无端锦瑟易逝之“魅影”，让唐诗无数的旷野与山水，走向内心的沟壑与蝉翼，这对后世注定是一种美学唤醒；而锦瑟画廊与D空间这一类艺术空间，更领受这份唤醒，追忆那些“可待之情”——诗意不再扑空，而是再度重逢。
作为“诗意的重逢”系列的特别展，艺术家何多苓此次特意选择多件杂花系列近作和一件人像作品参展，师进滇则携颇具个人风格的装置和布面丙烯作品，呈现一幕立体、含蓄、轻盈的某种昨日回忆与当下诗意。蒋国蓉、朱可染、周迅三位青年艺术家，更以一贯唯美、恬静的作品风格令人印象深刻。——所谓诗意，其实是一种不可重复的创造敏感，敏感于自然和人性之美。这种敏感创造性的某种“搭建”，则成为诗性。
师进滇的装置作品与何多苓的绘画在“语调”等方面气质相通：都借较敏感而脆弱的介质，关注转瞬即逝的情境，关注那些瞬间的，细微的，微妙的东西。何多苓说：“我看他的作品，他看我的作品，都是以同样的一种方式来看。有很多共同之处，虽然作品表面上看起来不像，但气质上相通，他是立体，三维的，我是平面的，他也有些平面作品，但他是抽象的，相得益彰，并置在一个空间里很漂亮。”
何多苓、师进滇两位艺术家的作品，其唯美、微弱的气息像极了断续吟诵的诗。师进滇说，他想呈现一种作品的透明感，光穿过作品本身的镂空，呈现影的流状与形态。何多苓认为师进滇发现这个符号是他多年苦心思索的结果。现在雕塑家有一种做法就是材质转换，他将这材质转换得比较极端，“比如汽车，最沉重的东西变得轻盈又脆弱，转换材质，用钢丝来编织，相当成功。
而何多苓的杂花之作，像是轻盈的层叠布置的诗作，好像还没有哪一位艺术家，能用那么多的诗性笔触，描写内心幽微的方位和形态，以及时间流逝承受者的无奈。
不得不说，这些画作，这些装置，在光的塑造下成为影子的捕捉者与放逐者——它们共同完成的位移，是对诗意的承载与搬运：师进滇用钢丝编织的方式，多层次、很复杂的编织手法，赋予坚硬的钢铁这种工业化产品一种诗意，他让它漂浮起来了，悬置空中，甚至可以挂起来。何多苓提到，“它柔软了，轻盈了，流动感，只是你不能去摸，有些容易被损坏，有些变形，他就故意利用这些柔软的特性，让以前不可能变形的东西变形。我觉得他这种作品的敏感性，本身就有一种诗意在其中。我的作品也是如此，油画跟雕塑有一种共同之处，其实油画是所有绘画品种里最坚硬的，画面的堆积感，来自于油画材料的坚固性，保存期也很长。但现在我的油画作品介于水彩与油画之间的感觉。画法上更敏感，表面也较脆弱，不能用手去使劲擦，较传统的油画更薄，而且每一层材质之间的相互关系都非常敏感。师进滇用很小的元素，比如钢丝，来编织一个巨大的物件，我是用笔触的痕迹，画出一幅大画，在‘制作’上，我们也有相通之处。”
是的，他们的作品里充满着无尽的空虚，以至于让人感受到迎面而来的充盈。
蒋国蓉的风景作品，有当代感极强的笔触，显然是瞄准了画中的楼台亭榭、假山怪石，更多是细致入微小景致。表现意味浓烈的园林意向让人想起少年时代对“性情”一词的揣摩与盼望。袁中郎所谓“世人所得者唯趣”，“唯会心者知之”——蒋国蓉的作品常在人的内心激起幽深的往日——这心园停住了少年心事，却终究躲不过少年情事。
他的作品是另一种“园说”：相地、立基、屋宇、装折、门窗、墙垣、铺地、植木、布花、掇山、选石、借景……作品不经意间划过一些偶然的巧合与安排，这定然符合艺术本真的偶态，也一定符合观者的心境。蒋国蓉说，只有风景让他画得不知疲倦，每次他从纸上的出发都是在与内心的自己重逢。“画风景、园林是在跟事物交流。”他的画里，树下花间都无人，人是观者，景是受体，亦是表现人之情绪的载体，通过他的笔触，人的详情都在树下花间密密缝缝。他说当自己在描绘心之园林时，会对画面中的小路、山石、植物生发出许多情感来，无限自由，这是另一种念人忆事。
朱可染这两年好像从旅行者变为定居者。情绪从压抑到松弛，从凝重到空灵。色彩上也有了变化，以前偏蓝绿色调更浓重，或许是受到自己早期素描的影响，今年她将画面的色域都压缩了，与以前那些浓厚的氛围拉开了距离，这次展览展出的油画作品，不论作品调性还是布展方式都呈现放松、沉淀、克制，向自己内心靠近的统一。“我的作品跟我个人的状态有关，不愿把自己的作品过于符号化，我希望观众首先看到一幅好画，而不是在说故事，看符号。相信好的作品都是会引起共鸣的，某一点，某一刻引起的颤动。”朱可染认为，艺术作品比艺术家本人更重要。
2017至2019年这两年，朱可染的作品变化很大，那段时间她用大量的时间和精力伺弄工作室的花草，观察植物的生长，四季的变化，在培育植物的同时也在治愈自己，调整状态，尽可能让自己放松，客观，人的状态与画的状态息息相关，所以现在更多人明白“痴心者见悦于明哲者”。明哲，是痴心不执念的意思，这种失却是坦然的。能够感受到，她现在的作画速度更快，状态更放松，出来的作品不仅仅是明度较高的忧郁或对比度更低的克制，而是一种“春风风人的美好”。
周迅此次参展的作品来自于他的《意象集》系列，显然仍与浪漫有关。这批作品在近两年集中创作，慢下来，沉下来，可能是迄今他风格最为统一、整体感最强的一批作品。大部分作品极简，柔和，干净到几乎透明，故事幽静，却像沉默的风浪。“从结构上讲，我还是倾向于萨蒂的方式，而从色彩上看，这些作品色彩还是较为丰富，微妙，倾向于德彪西。”
能感受到，周迅这批作品里那些水波与光影晃动的效果，像极了通感修辞之下的《水中倒影》。可能画到他最专心时，其实没听见，他提到自己画画时“专心”之状是不可言传的，他完全不记得怎样画出画面上自己认定最美好的一些部分，但他清晰地记得当他画到某一处，正在听哪段音乐，并立即想起那段音乐，哪怕时隔多年，都会记得，像是拆开某张期待已久的唱片。他仔细想，他画画，音乐在场——“在场”这个词是不对的，音响在场，但音乐无形——“可能是为了更安静，真的，画画而能同时聆听音乐，工作就格外安静，专心。”
何多苓提到：周迅的这批画，当得起和音乐的类比。他的色调有理科的严谨，从暗部到亮部的转换，犹如和弦从根音到上级音一般精确，而且经常出现七甚至九和弦。这使得他的微观风景具有交响乐一样的丰富与厚重。这既是油画，也是音乐。所以，这些画当得起我们所热爱的一些乐曲的名字。
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